Anos 70

João e Maria (Chico Buarque) Lirismo ou crítica social?

sebastianbam Anos 70, MPB

 

Uma canção, quando feita e lançada, muitas vezes não pertence mais a seu autor, tamanhas as interpretações, os significados e as distorções que surgem a partir delas. Uma das referências mais interessantes é a famosa canção “João e Maria”, com letra de Chico Buarque para uma melodia de Sivuca, feita em 1944.

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A letra, muitos conhecem:

Agora eu era o herói
E o meu cavalo só falava inglês
A noiva do cowboy
Era você além das outras três
Eu enfrentava os batalhões
Os alemães e seus canhões
Guardava o meu bodoque
E ensaiava o rock para as matinês
Agora eu era o rei
Era o bedel e era também juiz
E pela minha lei
A gente era obrigado a ser feliz
E você era a princesa que eu fiz coroar
E era tão linda de se admirar
Que andava nua pelo meu país
Não, não fuja não
Finja que agora eu era o seu brinquedo
Eu era o seu pião
O seu bicho preferido
Vem, me dê a mão
A gente agora já não tinha medo
No tempo da maldade acho que a gente nem tinha nascido
Agora era fatal
Que o faz-de-conta terminasse assim
Pra lá deste quintal
Era uma noite que não tem mais fim
Pois você sumiu no mundo sem me avisar
E agora eu era um louco a perguntar
O que é que a vida vai fazer de mim?

Como curioso que sou, fui buscar diversas interpretações da canção que achei por aqui ou por acolá na Internet. Olha algumas frases que eu encontrei:

1) Acho que o eu-lirico da canção é na verdade a instituição Forças Armadas brasileiras. Considerando que a música é de 47 (logo pós 2a Guerra) e a letra só foi escrita em 77 (como está no site do Chico Buarque) o autor primeiro tenta construir uma certa evolução cronológica da atuação dos militares (o que tem a ver com o tema de canção infantil, como se este estivesse tentando resgatar a infância das Forças Armadas e dos ouvintes a lembrar das impressões da época).

2) No texto, há uma apologia ao anarquismo proposto por Nietzche(um Estado sem Governo, já que se podia ser ao mesmo tempo bedel,juiz, herói,guerreiro,artista e a mulher princesa, plebeia e meretriz-andava nua pelo meu pais-); há também uma ligação do anarquismo ao Comunismo, já que a vitoria sobre os alemaes na segunda guerra, pode afirmar a hegemonia soviética e dividir o mundo entre as duas potencias mundiais

3) Na realidade, Chico fala de uma pessoa amada mas ele não tem essa intenção. A real intenção dele é falar da Liberdade que ele tanto queria, ou seja, da luta contra a ditadura militar.

4) O Chico se apropria da linguagem infantil para criticar governos autoritários.”Agora” eu “era” é assim que crianças fantasiam em suas brincadeiras nas quais enfrentam situações com grandes vilões e saem vencedoras.Quando vencem, logo inventam outro vilão para destruir. Chico tinha o nazismo, na Alemanha e a ditadura no Brasil. Faz referencia ao “dedos duros” (bedel, que eram infiltrados nas universidades para vigiar ações subversivas de prof. ou alunos e os juízes que eram grandes servidores da ditadura, nem todos, é lógico).Chico sonha com leis que pare com a censura, proibições em geral, que faz o povo infeliz e com medo.

Por mais que tentem estabelecer uma visão de crítica social na bela canção, Chico descartou esta interpretação, contida no livro “História das canções”

“Cada música tem uma história. Eu tenho uma parceria com o Sivuca que é engraçada. Ele fez a música, que ficou se chamando João e Maria. Ele mandou uma fita com uma música que ele compôs em 1944, por aí. Eu falei: “Mas isso foi quando eu nasci.” A música tinha a minha idade. Quando eu fui fazer, a letra me remeteu obrigatoriamente pra um tem a infantil. A letra saiu com cara de música infantil porque, simplesmente, na fitinha ele dizia: “Fiz essa música em 47.” Aí pensei: “Mas eu criança…” e me levou pra aquilo. Cada parceria é uma história. Cada parceiro é uma história.”

E, na mesma obra, consta um adendo:

 “Como qualquer artista, Chico não tem as chaves de sua criação. Quando fez a letra de João e Maria, de Sivuca, por exemplo, não entendeu o que ele mesmo tinha querido dizer com o verso “e o meu cavalo só falava inglês”; levou o enigma a Francis Hime, que arriscou: “Eu acho que é um cavalo muito educado.”

 

Sivuca, numa entrevista em 1986 dada da Moacir Oliveira, tratou da canção:

 

 A história de João e Maria é interessante porque foi uma música que eu fiz em 1947, em Recife. Eu não tocava daquele jeito que o Chico toca na nova versão. Eu tocava bem pesado, melodiosa, bem romântica para acordar as garotinhas (risos).

Aí quando eu mostrei a música, ele disse:
 –  Vou fazer uma letra para esta música que é muito linda. Fez.
Quando ele me mostrou a letra eu disse: O que é que eu posso dizer…
Ele colocou tudo no passado. (Agora eu era herói e o meu cavalo só falava inglês..)
Porque quando ele tinha três anos, só falava assim exatamente desse jeito. Então aproveitou o gancho e colocou a vivência dele. E saiu uma das melhores letras que o Chico já fez.

 

A música, de um belo lirismo, trata de uma história de amor desfeito a partir de uma narrativa de faz-de-conta, semelhante a uma história contada por crianças “Agora eu era herói”, a mistura de tempos verbais, em que a fantasia de hoje se refere a um tempo passado, a uma fantasia, do herói, do rei, do juiz que, na iminência da fuga da pessoa amada, contenta-se em ser o brinquedo, o peão, o bicho preferido.

 

E o faz de conta, pra lá do quintal, faz com que o eu-lírico sinta-se perdido com a ausência da personagem que faz parte da sua fantasia.

Chico fez esta letra logo após fazer a versão brasileira do musical italiano “os Saltimbancos”, uma história para crianças, mas com muita crítica social.  A primeira gravação coube a Nara Leão, num dueto com o próprio Chico Buarque

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Não parece constituir arte engajada ou crítica social. Mas vá saber….

 

http://portrasdaletra.blogspot.com/2008/11/joo-e-maria.html

Zuza Homem de Mello e Jairo Severiano,  85 anos de Música Brasileira Vol. 2, 1ª edição, 1997, editora 34

Chico Buarque: História de Canções. Wagner Homem. ed. Leya

http://blogln.ning.com/profiles/blogs/dia-do-compositorsivuca-fala

 

 

quarta 03 abril 2013 03:06 , em MPB

Two Naira Fifty cobo

sebastianbam Anos 70, MPB

O disco “Bicho”, de Caetano Veloso, em 1977, tem uma série de canções que se incorporaram ao repertório permanente do cantor. Lá se encontram canções como Tigresa, Leãozinho, Odara, Alguém Cantando, que ainda hoje são lembradas e tocadas por Caetano e por tantos outros intérpretes.

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No entanto, uma canção que, em princípio, parecia esquecida no disco, ganha um significado especial.  Em 1977, Caetano Veloso e Gilberto Gil fizeram uma viagem a Lagos, na Nigéria, para participar do II Festival Mundial de Artes e Cultura Negra (Festac).

Importante saber que a moeda nigeriana é NAIRA, e KOBO  representam os centavos. Two Naira Fifty Cobo (2,50) era o valor cobrado pelo motorista africano para transportar os artistas durante o festival.  Durante as horas vagas, o referido motorista colocava música dançante africana (juju Music)  para tocar. E este motorista acaba sendo referido com suas relações com o Brasil e a Bahia

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Na biografia que fizeram de Caetano, Carlos Eduardo Drummond e Marcio Nolasco contam um pouco desta história (p.284/5)

“as marcas deixadas em Caetano (na sua passagem pela Nigéria) tiveram sua profundidade. A Juju Music, a religião, a comida, os shows,. Muita lembrança boa de uma terra até então virgem para ele. Os ´causos´também ficariam na memória, como aquele do motorista que os levava para cima e para baixo e não mudava o discurso na hora de negociar o preço. Os brasileiros perguntavam quanto custava uma blusa e o homem respondia: ´two Naira fifty Cobo. perguntavam quanto valia um chapéu e e a resposta vinha de pronto: two Naira fifty Cobo.(…)    

A letra faz referências a Pelé e a força brasileira com o pé na África. Two Naira Fifty Cobo é ficou sendo o apelido do motorista. a referência ao povo lindo que dança na rua e que fala tupi (indígenas) e Iorubá (africanos). Caetano, ao se referir ao motorista africano, disse que ele o fazia lembrar-se dos pierrôs da Bahia no carnaval : “Sua dança, no entanto, tinha essa graciosidade africana e transmitia doçura e melancolia”

 

No livro “Sobre as letras”, Caetano fala:

 

“Two Naira Fifty Cobo” é o preço que o motorista do ônibus que servia à delegação brasileira no FESTAC atribuía a tudo que se lhe encomendava e terminou virando seu apelido. Ele punha ju-ju music para tocar no toca-fita do ônibus, que ficava estacionado em frente ao prédio tipo ‘Fundação casa popular’ que nos abrigava, e dançava horas seguidas sobre o asfalto da rua deserta. Ele era feio e magro, usava sempre aquelas roupas estampadas e dançava com os olhos fechados. Parecia um Pierrô bêbado dos carnavais baianos do início dos anos 60. Sua dança, no entanto, tinha essa graciosidade africana e transmitia doçura e melancolia”.  

 

Mania de Você

sebastianbam Anos 70

Rita Lee muitas vezes não é devidamente valorizada quando se fala de música brasileira. A mais completa tradução de São Paulo, segundo a música Sampa, de Caetano Veloso, a madrinha ou a “tia” do rock, Rita Lee tem uma história que começa com os Mutantes, nas origens do tropicalismo.

Mas o auge de Rita Lee se deu na década de 70, quando assumia uma postura de rock cor-de-rosa, feminino. As músicas de Rita Lee  são de uma mulher que fala e gosta de sexo, mas não de uma maneira agressiva. Uma das músicas mais sensuais que existe, que se tornou sucesso absoluto em 1979, foi ” Mania de você”,  que foi definida por Tom Zé como uma “balada pós-trepada”

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Rita Lee, na canção Mania de você, assume que o assunto é sexo, numa música cheia de imagens, como “tirando a roupa”, “molhada de suor” e “deitar e rolar com você”

Meu bem você me dá água na boca
Vestindo fantasias, tirando a roupa
Molhada de suor
De tanto a gente se beijar
De tanto imaginar loucuras…

A gente faz amor por telepatia
No chão, no mar, na lua, na melodia
Mania de você
De tanto a gente se beijar
De tanto imaginar loucuras

Nada melhor do que não fazer nada
Só pra deitar e rolar com você

Em entrevista para o songbook de Almir Chediak, Rita confessa:

Marido de Rita Lee publica foto da cantora careca e emociona fãs | Metrópoles

“Foi em cinco minutos que a gente fez mania de você. A gente tinha acabado de transar. ele pegou o violão, eu peguei um caderninho e começamos… ‘meu bem você me dá água na boca’ … a gente estava em estado de graça”…

Tom Zé já disse considerar esse álbum um marco da sexualidade brasileira. “Ele foi responsável pela educação sexual daquela época, com suas letras sexo-pedagógicas criadas pelo fato de Rita ter encontrado um marido tão fantástico como Roberto de Carvalho. Nunca vi uma pessoa se apaixonar tanto pelo pau de um namorado a ponto de tecer loas constantes e repetidas em tudo que cantava”.

Sem entrar no mérito do desempenho sexual de Roberto de Carvalho, então marido de Rita Lee, é muito pouco atribuir as músicas de Rita Lee, como Mania de Você,apenas ao desempenho sexual de seu marido.

É uma música que exala sensualidade e um modo feminino de enxergar o sexo até então muito pouco visto, que fala das fantasias, ao que me parece, muito mais do que roupas, que são tiradas enquanto o casal se veste de muitos personagens.

Numa entrevista ao Jornal do Brasil em agosto de 1979, Rita fala também sobre a composição:

– Nunca fiz música romântica, por que nunca me vi envolvida com o tema para fazer. Agora, eu casei, estou apaixonadíssima por meu marido, por meus filhos. Por isso, escrevei e cantei Mania de você, essa balada salerosa –

É o suor que molha, ela está molhada de tanto eles se beijarem, e imaginando loucuras enquanto o sexo acontece, por telepatia, como se eles não precisassem dizer nada, feito em todos os lugares, no chão, mar lua, em todos os lugares e na cabeça do feminino.

E depois, nada melhor do que não fazer nada, a preguiça logo após uma viagem sexual. É a quebra de um tabu, transforma uma coisa tradicionalmente vista como “feia” em bonita, desmistificada com a canção. Reparem que a canção é atemporal, e que nada mais se revela sobre o casal da canção, senão a sua afinidade, intimidade e harmonia sexual, transformada em canção pela perspectiva da mulher.

Inclusiva, a música foi o tema de um comercial da Ellus, que, pela sua conotação sexual, foi objeto de censura no final dos anos 70.

quarta 05 maio 2010 22:00 , em Anos 70

Você sabe o que é tiete?

sebastianbam Anos 70, Carnaval, Origem de Nomes

Gilberto Gil, por duas vezes, chegou a definir o que é tiete… Ao prefaciar o livro “O país do carnaval elétrico, de Fred de Goes, afirma: “Tiete é uma macaca de auditório emancipada. leva um papo com você na praia, está perto e não tem aquela histeria diante do ídolo inalcançável”

No entanto, a sua melhor versão veio como música., na “Marcha da Tietagem”, gravada por Gilberto Gil, As Frenéticas e o Trio Elétrico Armandinho, Dodô e Osmar:

Tiete é uma espécie de admirador
Atrás de um bocadinho só do seu amor
Afins de estar pertinho, afins do seu calor

A música homenageia o/a tiete, que segundo o dicionário é um fã, um admirador.

Poucos sabem, na verdade, que a “Tiete” é um neologismo criado pelo grupo de dança e teatro Dzi Croquettes, que se apresentava  vestindo roupas consideradas femininas, utilizando muita maquiagem e purpurina, e que durou de 1972 a 1976.

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Rosemary LOBERT, no trabalho que desenvolveu sobre os Dzi Croquettes em 2010 (A Palavra Mágica: a vida cotidiana dos Dzi Croquettes), dedica um capítulo aos tietes…

De acordo com os integrantes do grupo , Duse Nacaratti, amiga de um deles, teria utilizado o nome de uma colega para definir aqueles “que estão sempre ali para ajudar, para dar um jeitinho, mas no fundo não fazem nada e só atrapalham a gente” (p.173).

O termo foi amplamente utilizado pelos Dzi Croquettes e, em boa parte graças à repercussão da mídia, foi conhecido e empregado de maneira mais ampla. A descrição do termo explicita o seu caráter dicotômico, podendo representar algo negativo (a intromissão), quanto positivo (admiração). Através desta dupla dimensão, Lobert passa à descrição das formas de classificar os tietes, quem eram eles e que tipo de relação se estabelecia entre as partes.

“Os tietes eram em sua maioria jovens que se identificavam com a proposta do grupo e que passaram a acompanhar suas atividades no palco e na vida. Nos espetáculos, os tietes poderiam ser facilmente identificados pelo vestuário inspirado na indumentária dos artistas, pela familiaridade com a peça e pela participação nas cenas. De acordo com Lobert, em cada espetáculo havia de 15 a 20 tietes.

Eles acabavam participando da cotidiana do grupo, praticando pequenas gentilezas, buscando remédios, lanches, resolvendo pendências; atuando em apoio ao espetáculo, colaboravam no financiamento, na maquiagem, retocavam os cenários.

No entanto, os tietes às vezes eram inconvenientes quando impunham presença ostensiva nos ensaios, intrometiam-se em questões internas ao grupo e exigiam vantagens.

Assim como os músicos alimentam as fantasias dos tietes, os tietes alimentam também a existência dos músicos. É um tipo especial de público, que conhece às vezes mais a história do artista do que ele mesmo. Mas não há tantas músicas assim homenageando esse tipo especial de admirador.

E a expressão veio com a Marcha da Tietagem, com uma letra curta, simples e alegre, que fala do tiete admirador, que quer um pouquinho, um pedacinho do ídolo, de se sentir próximo do artista e esta proximidade é que faz o tiete especial (quando, na verdade, se o tiete soubesse que muitas vezes o artista se torna especial port causa de sua existência).

A música segue dizendo que o tiete segue o ídolo como um vassalo, um discípulo, um seguidor, “Pro mato, pro motel, de moto ou de metrô”, e que é bom viver a história platônica da tietagem, de um amor inatingível, mas que sonha ascender para “alcançar o nível do paladar” do artista. Que muitas vezes prova…

Hoje eu sou o seu tiete
Às suas ordens, ao seu inteiro dispor
De imediato aonde você for eu vou
No ato, no ato
Pro mato, pro motel, de moto ou de metrô
Tititititi
Como é bom tietar
Seu amor inatingível
Tititititi
E se você deixar
Eu farei todo o possível
Pra alcançar o nível do seu paladar

E a palavra se incorporou de vez na década de 80, quando o Chiclete com Banana gravou “Tiete do Chiclete”, também conhecida como “Maluquete 2”, em que se cantava

“Maluquete, de quem você é Tiete? Eu Sou, sou tiete do Chiclete”

Fontes:

LOBERT, Rosemary. 2010. A Palavra Mágica: a vida cotidiana dos Dzi Croquettes. Campinas: Editora Unicamp. 296p.

Paula Lacerda Doutoranda em Antropologia Social – Museu Nacional/UFRJ, Rio de Janeiro, Brasil. lacerdapaula@gmail.com

De Goes, Fred, O brasil do carnaval elétrico

Azul da Cor do Mar… Quando Tim Maia ainda não era Tim Maia, em 1968

sebastianbam Anos 60, Anos 70, MPB

Talvez vocês nunca tenham ouvido falar em Juan Senon Rolón, um paraguaio que se tornou conhecido no Brasil como o cantor Fabio. No final da década de 60, Fabio, fazia um certo sucesso como cantor, enquanto Tim Maia ainda batia cabeças por aí.

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Fabio e Tim eram amigos, até que certo dia, conforme relata Nelson Motta no seu livro “Vale Tudo” (Objetiva, 2007), Tim tinha deixado São Paulo, e tinha pedido acolhida a seu amigo Fabio, que morava com seu empresário num apartamento em Botafogo, no Rio de Janeiro. Tudo o que podia ser oferecido a Tim era o chamado “dromedário”, um sofá que tinha duas “corcovas” capazes de desconjuntar a coluna de qualquer um.

Tim, então passou um tempo morando com Fabio e dormindo no “dromedário”.  Fabio, aproveitando o sucesso como cantor, bebendo, transando, levando inúmeras meninas para o apartamento. E Tim Maia, sem dinheiro, anônimo, não ficava com ninguém. Então Fabio, no livro “Até Parece Que Foi Sonho – Meus 30 anos de Amizade e Trabalho com Tim Maia”, conta como surgiu a inspiração, nesse momento, para que fosse escrita “Azul da cor do Mar”

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“o que ele menos gostava, ao fim de cada show, era que eu levasse as meninas para ‘comer’ lá em casa e ele não comia ninguém. Ficava na sala, sentado no ‘dromedário’, decerto imaginando o que fazíamos dentro do quarto e o que aquelas jovens vadias sussurravam tanto ao meu ouvido com suas vozes manheiras, e gemidos, e gritinhos. Ele não conseguia escutar… às vezes, chorava de tristeza na sala, enquanto eu ria no quarto com as meninas“.

Consta que numa noite, após Fabio e Glauco voltarem de uma apresentação em Salvador, Tim Maia surpreendeu ambos com uma canção inspirada num poster pregado na parede da sala, uma mulher nua à beira mar…

Resultado de imagem para mulher nua marA imagem não é essa, mas só para ilustrar

E ele fez essa canção-desabafo, dizendo que se o mundo inteiro pudesse ouvi-lo, ele,  um rapaz de 27 anos que já vivera inúmeras experiências (passando até pela prisão e deportação nos Estados Unidos), e com aquela certa inveja de que ele (Tim) teria nascido pra chorar, enquanto seu amigo Fabio ria…

E ele dizia que, mesmo triste, buscava uma razão para viver, e via naquele poster, naquela mulher imaginária, um sonho azul, azul da cor do mar…

Ao ouvir a cação, Fabio disse: “Meu amigo, você acaba de compor a música de sua vida!”

Consta que Tim, na hora, não deu muita importância, e apenas continuou cantando… A música foi gravada por ele em 1970, e acabou se tornando um grande sucesso. O resto é história…

Ah!
Se o mundo inteiro
Me pudesse ouvir
Tenho muito pra contar
Dizer que aprendi…

E na vida a gente
Tem que entender
Que um nasce pra sofrer
Enquanto o outro ri..

Mas quem sofre
Sempre tem que procurar
Pelo menos vir achar
Razão para viver…

Ver na vida algum motivo
Pra sonhar
Ter um sonho todo azul
Azul da cor do mar…

Sinatras voando pela Janela… Ronaldo Bôscoli e Elis Regina

sebastianbam Anos 70, Polêmicas, Rivalidades Musicais

Elis Regina e Ronaldo Bôscoli formaram um dos casais mais efervescentes do final da década de 60. Ele, um dos principais representantes e defensores da bossa-nova: ela, uma cantora que dispensa comentários. De qualidade semelhante à de Elis, contam-se nos dedos.

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Ruy Castro, em Chega de Saudade (Cia das letras, 1990), revela que Elis se casara com seu maior inimigo, e que o casamento dos dois seria como (ou pior) que a Guerra do Vietnã.

No entanto, Ronaldo Bôscoli, no livro Furacão Elis (Globo, 1985), contou à autora Regina Echeverria um pouco da tumultuada história dos dois. Trago aqui pequenos trechos, para que não fique excessivamente longo (páginas 66-74):

“Elis era uma grande ciclotímica, tinha uma arritmia de comportamento sem maiores explicações.Num momento estava puta, noutro rindo, noutro chorando.”

“Mas Elis tinha esses problemas todos, principalmente de origem afetiva, e essa insegurança também foi me deixando apaixonado. Eu tinha muita coisa pra completar naquele espaço dela. Eu, que vinha de uma experiência de infância amargurada, – fui muito rico e perdi tudo, sofri muito com minha mãe tomando porres incríveis. Vim de cima e caí. Fui fazer shows, jornalismo. Eu tinha um perfil ideal para Elis, porque sabia de todas as deficiências dela, e ela sabia das minhas. Então essa simbiose faz amor. Não explica, mas pelo menos justifica. E eu era sabedor de que Elis tinha sido explorada desde o berço pelo pai, pela mãe, pela família. Ela era uma espécie de galinha dos ovos de ouro.”

Casamento de Elis e Bôscoli

“Namoramos no Rio, fomos pra São Paulo, e eu demorei quase uns 20 dias para transar com ela, uma coisa de estratégia mesmo. Ela morava na Av. Rio Branco e um dia não aguentou, me deu uma prensa: ‘tá achando que eu sou uma bosta?” Aí ficamos uns cinco dias trancados no quarto, dia e noite.”

“Elis tocava a vida de ouvido.A gente dizia uma coisa pra ela, ela dava a volta e, pouco depois, já começava a ensinar o que tinha aprendido”.     

  Sobre as brigas:

“Nossas brigas eram públicas porque éramos públicos. Nunca teve briga física em público. Ela me levava à exaustão, era como se me enfiasse uma broca na cabeça até o ponto em que eu teria que dizer: ‘vou te dar um tiro”. Era uma relação perigosamente deliciosa. Voava tudo pelos ares e, de repente, estávamos nos agarrando de paixão. Fazíamos coisas estranhas e bonitas.”

“A frustração dela era eu; e ela, a minha. Tudo que nos faltava tínhamos no outro”. 

Ronaldo Bôscoli – Wikipédia, a enciclopédia livre

“Reservávamos o sexo para nossos momentos agudos: ou de grande briga ou de grande amor.”

“Tinha um passado enorme, e quando fui me casar, pensei: ‘Não vou me desfazer do meu passado’. Juntei tudo num baú, trancafiei a sete chaves e guardei. Ela mandou arrombar. disse que havia fotos comprometedoras, mas era mentira. Queimou tudo: meus boletins de colégio, minhas fotos de infância, minha história. Fiquei tão deprimido que chorei quando soube disso, de madrugada. Fiquei mal. Ela teve medo que eu fosse bater nela – tinha pavor de mim, às vezes. Ela disse depois: ‘Desculpe, não tinha direito de apagar o seu passado’. Ficou mal também, mas aí ia se empolgando na discussão e acabava dizendo que eu era o culpado de tudo”

Famosos Que Partiram: Ronaldo Bôscoli

“Entrei no casamento com cinco malas e saí com três. Uma ela queimou e a outra, cheia de discos do Frank Sinatra, ela jogou pela janela. Feito disco voador. Aconteceu depois de uma briga: ela foi para a sacada, de onde, com certa habilidade para arremessar, você acertava o mar. Foi uma chuva de Sinatra pela Niemeyer. Ela tinha um ciúme doentio do Sinatra, porque eu me identificava com ele.”

Elis e Bôscoli ficaram casados por pouco mais de quatro anos, e se separaram em 1972. Claro que essas histórias são a versão dele, mas revelam um pouco da intensa e tempestuosa relação entre duas das mais importantes figuras da Música Brasileira no Século XX.    

domingo 07 novembro 2010 14:31 , em “Rivalidades” Musicais

As dunas de Gal. Um texto de José Simão em 2005.

sebastianbam Anos 70, Músicas e homenagens, MPB

Em junho de 2005, José Simão escreveu um texto sobre Gal Costa que acaba sendo um retrato, não só da década de 70, como da importância de Gal  para a música brasileira. Na verdade, Gal poderia contentar-se com sua voz, que está muito longe de ser uma “mera voz”.

Gal encarnou o espírito tropicalista, alternando momentos de suavidade, sensualidade, polêmica, escândalo. Poucas cantoras se arriscaram tanto na sua carreira, e nenhuma conseguiu sincretizar tão bem o clássico com o moderno. Desde canções de Caymmi, Ary Barroso e Tom Jobim, passando pela capa absolutamente provocativa em Índia, bem como gravando música eletrônica, rock, mostrando-se arriscando, não é à toa que Simão, no texto abaixo, disse que era “da Geração de Gal”.

E no texto Gal Costa acaba sendo a metáfora perfeita dos anos 70, um símbolo de uma geração colorida e de desbunde…Segue o texto, disponível no sítio digital de Gal Costa:

(http://www.galcosta.com.br/sec_textos_list.php?page=1&id=23&id_type=3):

As dunas de Gal
José Simão – 30/06/2005

Até hoje uma amiga comenta: “É mesmo, os tempos mudaram. Eu também era esquálida e todos me achavam gostosíssima. Agora eu tenho o corpo da Matilde Mastrangi e ninguém repara”. E pano rápido. Porque gostosa mesmo era a Gal. O símbolo da gostosura dos seventies, dos 70. 

Engraçado, editor pensa que colaborador é repentista. Dá um tema e a gente sai cantando. Em disparada, na maior embolada. E na maior embolada, no ritmo rápido era do repente eu vou cantar pra vocês as dunas da Gal, uma verdadeira lisergia tropical. 

É que outro dia eu estava na Rádio Cultura comentando o disco da Gal, o LeGal, quando me perguntaram o que eu estava fazendo no início da década de 70. Ai minha Santa Periquita do Bigode Louro, santa ingenuidade! É claro que eu não estava fazendo nada. N-A-D-A. Nada! A maioria das pessoas na década de 70 não fazia nada. Só faziam a cabeça. Como eu, que tinha de fazer e bater a cabeça todas as manhãs nas dunas da Gal, vulgo dunas do barato, píer de Ipanema. Depois eu tinha que esticar na areia minha sábia preguiça solar e bolar alguns capítulos do meu livro-espetáculo Folias Brejeiras. E depois tinha de fazer a chamada pra ver se ninguém tinha pirado no dia anterior. E depois tinha de bater palmas pro pôr-do-sol. Sair da praia antes do pôr-do-sol era blasfêmia! E ainda por cima tinha que ir em romaria todas as noites assistir o show Gal a Todo Vapor. Era Pouco? Ufa! Bem que o Groucho Marx tinha razão quando disse: “Como sofre uma baiana”. 

Gal a Todo Vapor, o grande sucesso da temporada, todas as noites, lá no Teresão. A todo vapor mesmo. Era só a banda dar os primeiros acordes que a turma das dunas desfiava o resto, de cor. E pior, ninguém queria pagar. Pagar era um insulto. O teatro era o Teresa Raquel, vulgo Teresão, lá em Copacabana. E o diretor do show era o Waly Salomão. E dá-lhe convites. Principalmente quando descia o Morro de São Carlos com o Melodia e toda aquela roda de bambas e compositores de sambas. E ficavam na porta. Aí o Waly dava uns abraços psicodélicos na Teresa Raquel e ficava falando loucuras no ouvido dela. Ai convite virava chuva de confete. Os convites eram tantos que a Teresa Raquel ficava nervosa, andando pelo saguão do teatro, num cáften até os pés, gritando: “ Eu não sou Jesus Cristo”.
E numa dessas noites, ao som da Gal, ao som da dona dos mais belos trinados do planeta, eu e Jorge Salomão tivemos a brilhante ideia de combinar nossas roupas com o cenário da Gal. Seria um happening. Era como se fosse uma extensão do próprio cenário. E fomos lá e catamos os restos de cetim do cenário criado pelo Luciano Figueiredo e Oscar Ramos, medimos bem e chegamos à conclusão: Dá! E fizemos duas camisas maravilhosas, de cetim. A minha era dourada. Pra combinar com a palavra-destaque também dourada lá do fundo do palco: FA-TAL. A do Jorge era branca. Pra combinar com a palavra-destaque branca: VIOLETO. E estava formada a dupla de destaque, um par de jarros. Fatal e Violeto

E Gal corria de um lado pro outro do palco cantando. E encantando: “Vejo o Rio de Janeiro”. Lábios vermelhos, de fogo: “Vejo o Rio de Janeiro”. Um sol. 

Gal Costa nos anos 1970 - Foto: Divulgação

Um sol. Pois é. Acho que tudo começou num dia de sol, quando Gal saiu de sua casa na Farme de Amoedo em direção à praia e resolveu estender sua toalha e sua plástica bem em cima de um monte de areia, uma duna, ao lado do píer de Ipanema. Pronto. A crème de la creme da lisergia tropical se apinhou a sua volta, fervendo, a festa já preparada, estava lançado o point mais badalado dos anos 70, o auge da contracultura: as dunas da Gal ou as dunas do barato ou, para os mais íntimos, o morro da Gal. Ainda bem que ela escolheu Ipanema. Tivesse escolhido a praia de Ramos, nós estávamos fritos. Já imaginaram aquela turma de calção e cabelão e frutas e discos e livros e idéias e slogans e palavras de ordem e colares, horas dentro de um ônibus? Não ia dar certo. Ou ia.

O caso é que, onde Gal ia, todo mundo ia atrás. Gal era quieta. Mas sua presença acionava o motor. Ou melhor, o rotor. Porque o babado era quente. Não era só o sol que se escancarava. Tudo ali se escancarava. As cores, as pessoas, as fofocas, os namoros, e as comportas do comportamento, escancaradas. Mas Gal ficava lá, quieta. Semideitada, como uma maja desnuda tropical, com os cotovelos enfiados na areia, fitando o infinito, o horizonte, lá onde o azul do céu se encontra com o azul do mar e o barquinho vai e o barquinho vem. 

 

Todo mundo ficava em pé. Ninguém sentava. Só a Gal. Em pé conversando e conversando. Não sei o que tanto a gente conversava. Acho que bolando um novo espetáculo. E o Cazuza louco pra se enturmar. Ficava na toalhinha vizinha, louco pra se meter na conversa. E as pessoas começaram a levar frutas para a praia, talhos de melancia, cachos e mais cachos de uvas, mangas e seringuelas, verdadeiros banquetes tropicais. Era a alegria, o barato. Ondas eram plumas. E no dia em que Brian Jones morreu, Vilma Dias apareceu com uma camiseta onde se lia Brian Jones is dead, em vermelho!. Ela deve ter pintado em casa, às pressas, com esmalte. Nunca vi tantas idéias. Verdadeiros vulcões. As pessoas se alimentavam de lançamentos. 

Quando Gal se levantava, negra de sol, pra ir embora com aquela cesta indígena na cabeça, era uma deusa. Pra mim, ela era Elvira Pagã. Tudo ela levava naquela cesta indígena, de palha. Toalha, cocker spaniel, filtro solar, as chaves da Fiat vermelha, o telefone do João Gilberto, a partitura de Vapor Barato, recados, torpedos. Não sei que milagre que ela não botava até o Waly lá dentro. Botar a Cotinha e o Moleque Pereira, a Maria Guilhermina enrolada na bandeira do Flamengo, o Mautner, o Jacobina, o Melodia, a Pinky Wainer, a Scarlet Moon, e o Steve que atropelava táxis. E o Jorge Salomão, o Bacana e a Puppy. E o Anjo. Ela devia botar a duna inteira lá dentro da cesta. E levar pra oca dela. Lá na Ladeira do Tambá. Que todo mundo ia adorar. 

 

Todos Resultado de imagem para gal costa anos 70de tanga, sunga, quase nada. O chic era deixar um pouco dos pentelhos de fora, um tufo, aparecendo. E a barriga bem pra dentro, estilo faquir, ou no máximo uma barriga bronzeada e torneada como um mamão papaya. 

Ninguém cumprimentava quem ousasse usar relógio. Um dia um amigo, de tanto a mãe insistir, arrumou um emprego. E tinha que sair da praia às três da tarde. Isso mesmo, às três da tarde! Era uma heresia. Isso era considerado um crime. E o coitado saia meio escondido, envergonhado.

Era uma heresia abandonar aquela orgia SOLAR, ingênua e sensual. A geração Gal. Quando hoje me perguntam qual a minha geração, eu respondo: “Eu sou da geração Gal!” E ponto final. Porque tudo isso aconteceu quando eu era um bebê de colo. É que eu não gritava buábuá buá. Eu gritava Gal, Gal, Gal. A todo vapor.?

“Qualquer maneira de amor vale a pena…”

sebastianbam Anos 70, MPB

As parcerias de Caetano com Milton Nascimento são raras. Mas belas. Pessoas de estilos pessoais e musicais bem distintos, são amigos (como costumam ser amistosas as relações entre mineiros e baianos) e se admiram mutuamente.

“Qualquer maneira de amor vale a pena“, frase de Caetano para a melodia de Milton, ficou eternizada na canção “Paula e Bebeto”.

Fui atrás da história da canção… E fui ver que a história vem de um casal que era amigo de Milton Nascimento e que se separou.

“Milton conheceu Paula e Bebeto em Três Pontas no início da década de 70. Ela era uma linda garota de 15 anos e Bebeto tinha pouco mais de 17. Em uma roda de violão na praça, o casal se aproximou e amanheceu ouvindo o compositor. “Virei uma espécie de padrinho deles. Foi a história romântica mais linda, mais completa que já vi”, afirma Milton. Anos antes, ao lado de Bebeto, Milton criou a melodia e chegou a esquecê-la”. 

Certo dia, ao chegar no Rio, nos idos de 1975, Milton foi à casa de Caetano Veloso, num dia em que estava particularmente triste, haja vista a separação do casal de amigos Paula e Bebeto.

“Ele me contava a história de Paula e Bebeto e chorava muito”, asseverou Caetano.

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Milton, então, começou a tocar uma melodia. Alguns dias depois, agora em sua casa, Bituca (apelido de Milton Nascimento), recebendo Caetano, começou a dedilhar novamente aquela música. “Eu e ele nos trancamos em outra sala e sentamos no chão. Milton tocou três vezes a música. As palavras entraram na minha cabeça e fechei a letra na hora”, revela Caetano.

A canção revela a história de um casal que se amava de qualquer maneira, pois “qualquer maneira de amor vale a pena, qualquer maneira de amor vale amar”.

 

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Fico imaginando qual seria a “qualquer maneira” de amor que aquele casal vivenciara, e como Caetano colocou a letra sem sequer conhecê-los. Talvez eles guardem consigo tudo aquilo que fazia daquela história de amor um amor fantástico, que “vale a pena”.

Vida, amor, brincadeira, e o amor que se revela “de qualquer maneira”. Pena por ter acabado, mas afinal, foi bonito, e “qual a palavra que nunca foi dita?“.

Percebe-se que a música foi – e quando não é? – uma maneira de eternizar um amor adolescente que cresceu, mas não resistiu ao tempo. O casal jamais reatou o romance.  A música virou um clássico  na voz de Gal Costa, e, como no título da postagem,  pelo refrão “qualquer maneira de amor vale a pena…”. 

“Esse refrão diz a coisa mais perfeita para mim”, diz Milton.

Hoje, Bebeto (Carlos Alberto Pinto Gouvêa) é casado, tem quatro filhos, e  vendeu a fazenda de seu pai, no interior mineiro, que administrou por duas décadas. Paula também se casou, teve três filhos e vive em Belo Horizonte, onde produz artigos de couro. Milton batizou um filho de cada um. Mas, como disse o próprio Bebeto, se não houvesse separação, não haveria música…

A letra:

Vida vida que amor brincadeira, vera
Eles amaram de qualquer maneira, vera
Qualquer maneira de amor vale a pena
Qualquer maneira de amor vale amar

Pena que pena que coisa bonita, diga
Qual a palavra que nunca foi dita, diga
Qualquer maneira de amor vale aquela
Qualquer maneira de amor vale amar
Qualquer maneira de amor vale a pena
Qualquer maneira de amor valerá

Eles partiram por outros assuntos, muitos
Mas no meu canto sempre juntos, muito
Qualquer maneira que eu cante esse canto
Qualquer maneira me vale cantar

Eles se amam de qualquer maneira, vera
Eles se amam e pra vida inteira, vera
Qualquer maneira de amor vale o canto
Qualquer maneira me vale cantar
Qualquer maneira de amor vale aquela
Qualquer maneira de amor valerá

Fontes:http://www.terra.com.br/istoegente/322/reportagens/capa_amigos_02.htm

http://www.miltonnascimento.com.br/img/pdf/2000/nacional/05_2.pdf

http://www.seminariodehistoria.ufop.br/ocs/index.php/snhh/2011/paper/viewFile/529/391

http://pjpontes.blogspot.com/2013/04/paula-e-bebeto.html

 

 

segunda 21 novembro 2011 19:20 , em MPB

Se o caso é chorar. A Música de Tom Zé que é toda Plágio

sebastianbam Anos 70, MPB

Se o caso é chorar, uma bela música de Tom Zé, na verdade, é uma colagem de plágios. O próprio Tom Zé conta a história numa entrevista:

— Aliás, essa música é toda plágio. É até bom aproveitar a oportunidade para contar pra vocês o lado avesso da história. Essa música fez sucesso, foi primeiro lugar na parada de sucesso no Brasil durante meia dúzia de semanas, durante um ano quase inteiro, em 1973, e essa música é toda plágio. A ideia de fazer uma canção toda plágio nasceu por causa de uma canção anterior, de que as pessoas de minha idade também se lembram, que é aquela
valsinha que dizia assim:

Passo a passo, braço a braço
Um sorriso, um silêncio
Sete horas, oito dias
Dezenove, vim te ver

— Essa música ganhou num festival da Hebe Camargo o primeiro lugar. E aí saiu no Estadinho [Jornal da Tarde, irmão mais novo do Estadão] na seção “O Leitor Escreve”, tava escrito lá: “A música de Tom Zé ´Silêncio de Nós Dois´ é plágio do Garcia Lorca na página tal qual…”. Eu disse, vala-me Nossa Senhora, corremo lá pra casa, pegamos o Garcia Lorca, fomos lá na página e hum… tinha lá também a palavra moita. Então tudo bem.

 

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Mas eu falei assim, puxa!, é uma ótima ideia fazer uma canção que seja toda plágio.  Comecei a pensar no assunto e me lembrei dessa harmonia , que é do Estudo número 2, do Chopin. Vocês já conhecem ela em outra música brasileira, a mesma coisa também, só a batida é diferente [trata-se de ´Insensatez´, do Tom Jobim. ]

 A harmonia é a mesma. Então, peguei essa harmonia e botei… A forma, eu me lembrei que Antonio Carlos e Jocafi, naquele tempo davam as regras do mercado nacional com aquele tipo de coisa: a primeira parte menor [harmonicamente falando], com a sintaxe da língua portuguesa mais ou menos estranha, pra ficar parecendo uma coisa tipo luz de boate, assim simbolicamente, metaforicamente, num precisava dizer nada, bastava ter uma dorzinha e tal, e amor por aqui, amor por acolá, então eu comecei a construir essa estrutura, que não quer dizer absolutamente nada, prestem atenção:


Se o caso é chorar, te faço chorar
Se o caso é sofrer, eu posso morrer de amor
Vestir toda minha dor, no seu traje mais azul
Restando aos meus olhos o dilema de rir ou chorar

— No fim, eu tinha chegado a botar assim: “…Deixando meus olhos vazados de tanto chorar”. 

A minha mulher disse: “Assim, também não, assim é esculhambação, ninguém vai te levar a sério. Olhos vazados de tanto chorar? Que diabo, você é louco? Tenha paciência…”. Aí mudei a letra e Perna, meu parceiro [Antonio Perna Fróes, pianista baiano ], tava aqui em São Paulo e me deu a ideia da segunda parte; Ele disse: “Tem uma música dos Beatles –dos Beatles, não, dos Rolling Stones, uma imitação dos Beatles daquele tempo – que fala um negócio mais ou menos assim, deixa sangrar meu peito, um negócio assim, aí ele deu a ideia:

Amor, deixei sangrar meu peito
Pra tanta dor, ninguém dá jeito
Amor, deixei sangrar meu jeito
Pra tanta dor, ninguém tem peito
Se o caso é chorar…

— Agora, a segunda parte é uma colagem, não tem nenhuma palavra minha. Tudo música dos outros, vejam se vocês descobrem, eu juntei músicas de sucessos dos outros :

(cantando)
Hoje quem paga sou eu (um tango de Nelson Gonçalves) , o remorso talvez (Lupicínio Rodrigues)
As estrelas do céu também refletem na cama
De noite na lama (Inversão de Caetano), no fundo do copo (Ary Barroso)
Rever os amigos (Adelino Moreira e Jair Amorim), me acompanha o meu violão (Nelson Gonçalves)
Amor deixei sangrar meu peito…

Imagem relacionada

Fonte: http://www.samba-choro.com.br/s-c/tribuna/samba-choro.0111/0372.html

Tom Zé, Estudando o samba: Som do VInil, Entrevistas a Charles Gavin

 

Sonho meu… Um dos maiores sucessos de D. Ivone Lara

sebastianbam Anos 70, Músicas e homenagens, Samba

Em abril de 2018 o Brasil perdeu D. Ivone Lara, uma das grandes referências do samba. Vinda de uma família muito vinculada à música, ela se viu orfã de pai aos 03 (três) anos e de mãe aos 16 (dezesseis)

 Teve que lutar para firmar-se como mulher compositora. Foi a  primeira mulher a ser da ala de compositores de uma grande escola de samba do Rio de Janeiro, a Império Serrano, em 1965, com o samba “Os cinco bailes da história do Rio”.  Só veio a lançar seu primeiro disco em 1974 (ela nasceu em 1921), quando se aposentou das atividades como funcionária pública.

Em sua biografia escrita por Mila Burns (2009), ela revela sua relação com a música desde pequena.

 “Fiquei emancipada por minha conta mesmo. Minha mãe morreu e ninguém ficou tomando conta de mim. Com idade de doze anos, eu que resolvia tudo, me guiava. Vou dizer uma coisa: foi muito bom, porque me fez ser como sou hoje. Tudo o que eu fiz a partir daí foi por decisão própria (…) Lembranças tristes às vezes vêm, mas eu sou guerreira;”

Um dos seus maiores sucessos, e a música que a consagrou foi gravada em 1978, em parceria com Delcio Carvalho, cuja história é contada por Ruy Godinho, no livro “Então, foi assim?”

divulgação

Dona Ivone Lara e Delcio de Carvalho

Mila Burns afirma que D. Ivone não passava um dia sem cantarolar a melodia. Aquelas notas não saíam da cabeça, ela as repetia dia e noite. “Chamamos o amigo e disse: “Tenho essa melodia, e queria que você fizesse letra, mas queria que você tivesse alguma coisa a ver com sonho, porque até sonhando eu canto essa música. Foi numa época de muita tristeza, e só a música trazia inspiração mesmo. O Délcio fazia letras tristes, porque olhava para mim e sabia o que estava querendo dizer com as melodias que eu escrevia”.

“Sonho meu tem uma história interessante”, confiava Délcio. “Era meio-dia, o dia estava chuvoso e eu fui pra casa de D. Ivone, em Inhaúma. Eu estava com um negócio de mano meu, tio meu, vai buscar quem mora longe, que é muito usado no candomblé. E na época, estava sendo muito divulgada a campanha pela anistia ampla, geral e irrestrita de presos políticos brasileiros, que estavam exilados em outros países. Aí eu saquei intuitivamente sonho meu, sonho meu, vai buscar quem mora longe, sonho meu… Quer dizer, já botei o sonho como um substantivo, uma pessoa, uma entidade palpável. E dali eu continuei vai matar essa saudade, sonho meu/com a sua liberdade, sonho meu…Naquele dia mesmo”

Dona Ivone Lara – Wikipédia, a enciclopédia livre

João Bosco e Aldir Blanc também sonhavam naquela época com a volta do irmão Henfil, com tanta gente que partiu num rabo de foguete…

“A Rosinha de Valença estava produzindo um show com a D. Ivone Lara e o MPB, num lugar chamado Carinhoso, em Ipanema. E lá pelas tantas, ela perguntou: “Você não tem uma música? Eu vou fazer uma produção para a Maria Bethânia e preciso de uma música pra eu botar no disco’. Aí a D. Ivone cantou Sonho Meu. Dias depois, houve uma festa na casa da atriz Zeny Pereira e foi todo mundo lá. Era tempo chuvoso, D. Ivone Lara cantou Sonho Meu, a Maria Bethânia estava lá, aprendeu e na noite seguinte colocou no disco, junta dela estava a Gal Costa que participou da gravação. Foi uma maluquice, uma doideira. Em quinze dias a música estava estourada no Brasil todo”, conta Délcio com entusiasmo.

A música acabou sendo um dos hinos que foram cantados como inspiração para a volta dos exilados políticos que vieram com a Lei de Anisitia, em 1979.